Wer hat angst vor dem image?
Mode, Erinnerung und künstliche Intelligenz beim Fuorisalone 2026
Von Simone Cotellessa
Von Prada bis Gucci und Jil Sander: drei Visionen über Erinnerung und die Zukunft des Images
Der Salone del Mobile in Mailand ist eine jener Mailänder Gewissheiten wie Weihnachten, Ostern und Sankt Ambrosius – mitsamt den dazugehörigen Riten und Pilgern: es ist eine Woche, in der die Stadt beschließt, sich selbst auf die spektakulärste Weise ernst zu nehmen, mit Installationen aus Sperrholz in den Innenhöfen und DJ-Sets in Armaturen-Showrooms, während alle hastig zwischen einem Aperitivo und einer Vernissage hin und her eilen, mit der Miene von Menschen, die im Begriff sind, einer religiösen Zeremonie beizuwohnen, ohne sich notwendigerweise ein Friedenszeichen austauschen zu müssen. Inmitten all dieses weißen Rauschens gehört es inzwischen zur festen Praxis, dass auch die Mode eingreift und ihre Stimme erhebt.
Doch während das, was die Mode über Design denkt, letztlich von eher untergeordneter Bedeutung ist, erweist sich das, was die Mode über sich selbst denkt, als aufschlussreich – in diesem Jahr mehr denn je. Das Thema, offiziell nicht ausgesprochen, aber für jeden erkennbar, der sich mit offenen Augen von einem Klostergang zur nächsten Sakristei bewegt, ist das Image: verstanden als philosophisches Problem, als instabile Materie, als ein Terrain, auf dem sich das Reale und das Generierte so sehr vermischen, dass die Unterscheidung nicht nur schwierig, sondern vielleicht sogar irrelevant wird.
Prada Frames und die Macht des Images zwischen Realität und Künstlichkeit
Prada hat in diesem Jahr sein Symposium Prada Frames in die Sakristei von Santa Maria delle Grazie von Bramante verlegt mit Leonardos „Letztem Abendmahl“ nur wenige Meter entfernt als kosmischem Gegenpol sowie den intarsierten Schränken von Domenico und Francesco Morone. Der Titel lautet „In Sight“, erneut kuratiert von Formafantasma, mit einer Reihe von Gesprächen, die sich mit der Bildproduktion als dominierender Kraft der zeitgenössischen Kultur befassen: mit der Darstellung, die das Faktische überholt, und mit dem Bild als politischem und materiellem Konstrukt statt als neutralem Spiegel der Wirklichkeit. Schon die Wahl des Ortes ist keineswegs dekorativ: Über wahre und falsche Bilder zu sprechen, über Maschinen, die Pixel erzeugen, die realer wirken als das Reale, und das ausgerechnet in einem Raum, der mit Bildern ausgekleidet ist, die in vormoderner Zeit entstanden sind, um denen Gott sichtbar zu machen, die nicht lesen konnten – das ist bereits ein Argument.
Am Eröffnungsabend folgen auf dem Altar der Basilika nacheinander Momtaza Mehri, somalisch-britische Dichterin und Gewinnerin des Forward Prize mit „Bad Diaspora Poems“, eine jener Stimmen, die aus dem blinden Fleck der anglophonen Literatur kommen und einen unvorbereitet treffen – selbst dann, wenn man glaubte, vorbereitet zu sein –, mit einer Stimme, die in jene Winkel vordringt, in die einst das Latein drang, und die dich allein mit der verführerischen Waffe der Poesie mit der Tatsache konfrontiert, wie sehr die Fotografie heute dokumentiert und zugleich verrät; Kate Crawford, Autorin von „Atlas of AI“, die seit Jahren mit fast kriminalistischer Geduld erklärt, dass Rechenzentren Wasser verbrauchen wie Städte und dass künstliche Intelligenz über eine physische Infrastruktur verfügt, die eher dem kolonialen Extraktivismus als technologischer Innovation gleicht, sodass man das Gefühl hat, die Welt sei schwerer geworden als noch vor einer Stunde – unter den urteilenden Blicken von Heiligen und Madonnen. Und schließlich Hania Rani, polnische Komponistin, die das tut, was nur Musik vermag: Sie nimmt all das, was gesagt wurde, das ganze Gewicht der Argumente, der Bilder und der Verantwortlichkeiten, und trägt es an einen Ort, an den Worte nicht mehr gelangen – und der am Ende der einzige Ort ist, an dem bestimmte Dinge wirklich aufgenommen und nicht nur verstanden werden können.
Gucci zwischen Erinnerung und Darstellung
Im Klostergang von San Simpliciano antwortet Demna auf dieselbe Frage mit einer entgegengesetzten Methode: Er nimmt die 105 Jahre Geschichte von Gucci und stickt sie in Wandteppiche im Stil Botticellis, in einer „amarcordhaften“ Operation, die rückwärts entlang des Stammbaums des doppelten G verläuft – von Guccio Gucci bis Sabato De Sarno, über Tom Ford, Alessandro Michele und Frida Giannini –, sodass die Moderne nur regressiv lesbar wird und sich die Gegenwart als Vergangenheit kleidet, um ohne Unbehagen betrachtet werden zu können. Demna erscheint im letzten Panel in Lederjacke und Baseballkappe, als Selbstporträt unter den Heiligen, mit genau jener Ironie, die jemand besitzt, der weiß, dass er etwas potenziell Lächerliches tut – und es dennoch mit einer entwaffnenden Präzision ausführt. Die bloße Entscheidung für das Vordigitale, für das Gewebe, für die langsame Handarbeit, für die Geste des Stickens, ist selbst ein Kommentar zum Bild – als ob der einzige Weg, es anzuhalten, ihm Gewicht zu verleihen, darin bestünde, es zur Hand, zum Faden, zur Materie zurückzuführen, die die KI nicht berühren kann.
Jil Sander und der Wert der Vergangenheit
Und genau an diesem Punkt fügt sich auch Jil Sander ein. In der Via Luca Beltrami: sechzig Bücher auf verchromten Lesepulten, jedes von seinem eigenen Licht überflutet, die weißen Handschuhe, die am Eingang ausgehändigt werden wie in einem Museum für alte Kunst, und eine aufgezeichnete Stimme, die hin und wieder „psst“ macht wie die Bibliothekare von einst – jene, die es gab, bevor Bibliotheken zu Coworking-Spaces mit Matcha-Café und bunten Sesseln wurden. Die sechzig Bände wurden von Sofia Coppola, Lykke Li, Dan Thawley ausgewählt – von Designern, Denkern, unwahrscheinlichen und komplementären Figuren –, jeder damit beschäftigt, ein Buch zu verteidigen, als verteidige er etwas, dessen bevorstehendes Verschwinden man spürt, schlicht weil heute das Bild gesiegt hat, weil das Scrollen gesiegt hat, weil das Gehirn gelernt hat, kurze, leuchtende Fragmente zu verlangen statt Seiten, die Widerstand leisten.
Das Ergebnis? In einer Woche, in der jede Marke darum konkurriert, das einprägsamste Bild zu produzieren, ist die Entscheidung, dem visuellen Lärm die Stille einer gedruckten Seite entgegenzusetzen, paradoxerweise die stärkste – und zugleich die melancholischste – Geste.
Also: drei Antworten auf dasselbe Problem, drei kulturelle Haltungen, die unterschiedlicher kaum sein könnten – und doch laufen sie auf dieselbe Angst hinaus, nämlich darauf, wie sich Identität darstellen lässt, in einem Moment, in dem Bilder nichts kosten, dreißig Sekunden halten und ohne menschliche Hand hergestellt werden können.
Prada analysiert das in Form eines Symposiums, mit der Ernsthaftigkeit dessen, der weiß, dass das Verstehen eines Problems nicht gleichbedeutend mit seiner Lösung ist.
Gucci präpariert es, hängt es an die Wand und nennt es Erinnerung – was letztlich auch eine Antwort ist, wenn auch nicht die beruhigendste.
Jil Sander schließt es zwischen die Seiten eines Buches ein und reicht dir weiße Handschuhe, damit du es nicht beschädigst.
Inzwischen beobachtet die künstliche Intelligenz an irgendeiner Stelle außerhalb des Bildfelds, macht sich Notizen und wartet.
